Vi invito con piacere a visitare la mostra dell’artista

SHOKO OKUMURA

“Finestre di luce nei boschi”

Dal’8 al 31 Ottobre 2020

Presso Manifiesto Blanco

Via Benedetto Marcello 46 Milano

Ingresso libero

 

Inaugurazione 8,9,10 Ottobre 17.00 – 20.30 su prenotazione

 

☛ Per l’inaugurazione Vi prego di prenotare tramite il sito oppure inviare un messaggio whatsapp:

indicando nome e cognome, la data e orario e indirizzo mail per favore.   

 ☛ La prenotazione è necessaria SOLO per l’inaugurazione  

whatsapp: 389 569 3638

sito: https://www.manifiestoblanco.com/  

 

Apertura Mostra: da Martedi a Sabato, dalle ore 16.00 alle 19.00, fino al 31 Ottobre.

Ingresso libero senza prenotazione.

Dove: Via Benedetto Marcello 46 Milano presso la galleria Manifiesto Blanco.

 

 

 

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Vi invito con piacere a visitare la mostra che si inaugurerà domenica 26 luglio a Fortunago, nel cuore dell’Oltrepò pavese, in uno dei più bei borghi d’Italia:

“Entrambi gli artisti nelle loro opere generalmente creano una struttura compositiva che evidenzia una trama. La trama è per eccellenza la metafora visiva che svela una percezione del mondo come complessità, in cui ogni cosa è legata a un’altra: tutto tiene in una visione olistica della realtà. Si restituisce questa lettura, questa percezione dei fenomeni quando la composizione pittorica raggiunge un equilibrio visivo di valore estetico. La diversa percezione si evidenzia nel lavoro dei due artisti soprattutto nella ricerca dell’equilibrio compositivo.

In Bellucci si manifesta in modo esplicito la sua attenzione alle culture orientali, giapponese in modo particolare. La ricerca di un raffinato equilibrio nella composizione tra pieni e vuoti, l’ordine come conquista percettiva non come il frutto di razionalità geometriche. L’equilibrio e l’ordine dei segni, delle stesure delle campiture con un uso minimalista del colore, il nero, la scala dei grigi, il rosso svelano un interesse a rappresentare l’attimo in cui l’equilibrio raggiunto attraverso un metodo percettivo deve essere rappresentato nel suo essere sospeso e pertanto sulla tela fissato una volta per tutte. La sua ricerca spazia dall’accumulazione di segni, una sorta di horror vacui, all’estremo opposto, una riduzione di essi ai minimi termini, alla singola linea o alla singola sfumatura, risentendo grandemente in questo dell’influenza estetica giapponese non solo intesa come pittura sumi-e ma anche ispirata all’essenzialità della struttura poetica dello haiku. A contraddistinguere i suoi lavori è l’uso di un sigillo rosso che, secondo la tradizione della calligrafia estremo-orientale, è inserito all’interno dell’opera e ne diviene parte integrante. Il sigillo di pietra, volutamente non inciso con ideogrammi ma lasciato allo stato grezzo con leggeri interventi di bulino, sostituisce così la tradizionale firma dell’artista e diventa una sorta di non-firma, no-logo, di fatto la sua cifra stilistica”.

“Nei lavori di Jelo, la trama diventa invece un territorio in cui tutto vibra, l’equilibrio compositivo è ricercato con ritmi di forme e segni che presentano contorni sfumati, si sovrappongono, vengono immersi in trasparenze e sfumature di colori. L’uso del colore non è minimale ma anzi si va alla ricerca di tinte e toni diversi per ogni opera. La scelta espressiva e linguistica di Jelo infatti si colloca nel campo dell’Astrazione. Perché a suo parere un’opera figurativa, nell’impegno a leggere i contenuti iconogra-fici, rischia di distrarre dal cogliere i reali valori pittorici in essa contenuti; una pittura astratta, invece, porta direttamente ai valori iconologici e comunica con immediatezza emozioni e concetti.

Le sue trame non sono fatte da geometrie nitide, da campiture timbriche. Anzi. La texture viene rimessa in discussione da una vibrazione di luminosità che mette in dubbio la razionalità dell’impianto strutturale in un insieme di segni e di luci e ombre.

Il suo è un segno-gesto che non ha la forza dell’istante che svela, come nell’espressionismo astratto, invece, nella sua ripetitività controllata, appartiene di più ai tempi lunghi della contemplazione lirica.

Sostiene Jelo che a differenza della quantità, la qualità non è misurabile, non esistono protocolli per raggiungerla. La qualità si ottiene nella costante tensione a fare bene, fare a regola d’arte si sarebbe detto una volta” .

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MUSEC

Museo delle Culture

Villa Malpensata

Lugano

17 luglio 2020 – 21 febbraio 2021

Mostra

KAKEMONO. CINQUE SECOLI DI PITTURA GIAPPONESE

Capolavori dalla collezione Perino

a cura di Matthi Forrer

Una mostra che si prospetta davvero importante, questa dedicata alla pittura giapponese su rotolo verticale che verrà inaugurata il prossimo 16 luglio al Musec-Museo delle Culture di Lugano, nella prestigiosa sede di Villa Malpensata, sul lungo lago.

La mostra presenterà un centinaio di kakemono, (lett. “cosa appesa”), che provengono dalla collezione del torinese Claudio Perino e proporrà un percorso attraverso capolavori della pittura giapponese dal XVI al XX secolo.

Cos’è un kakemono? Chiamati anche kakejiku, sono dipinti o calligrafie su seta o carta, montati su rotolo verticale e, in generale, destinati a essere appesi con una rotazione periodica o stagionale, all’interno del tokonoma, la stretta alcova dal pavimento leggermente rialzato utilizzata per disporvi le opere d’arte più preziose di proprietà di una famiglia. Nel tokonoma di un padiglione del tè è di rigore la presenza di un kakemono il cui soggetto sarà sempre in consonanza con la stagione, scelto per esprimere l’animo di colui che ospita, facendo da mediatore fra questi e i suoi ospiti. 

Le opere esposte saranno ordinate secondo un percorso tematico articolato in cinque sezioni: Fiori e uccelli; Figure antropomorfe; Animali; Piante e fiori vari; Paesaggi. I soggetti sono prevalentemente naturalistici (fiori, uccelli e pesci) e mostrano  un’accuratezza di dettagli davvero straordinaria in opere di rara bellezza di artisti come Ōgata Korin (1658-1716), Tani Bunchō (1763-1840), Maruyama Ōkyo (1733-1795), attivo alla corte imperiale e fondatore della scuola pittorica “Maruyama-Shijō”, fra le più prestigiose di epoca Edo, Kishi Ganku (1749-1839), celebre per i suoi dipinti di tigri e Kusumi Morikage (1620-1690) pittore del periodo Edo nelle cui opere si riflette la simpatia per il mondo contadino.

La mostra si apre con i dipinti di fiori e uccelli (kachō-ga) che giocano su un’associazione allegorica tratta dalle poesie haiku, e prosegue con quelli che rappresentano figure antropomorfe, dapprima limitate ad alcune divinità buddhiste, a seguaci o discepoli del Buddha, a ritratti di figure shintoiste, o ancora a personaggi mutuati dalla tradizione cinese. Fu solo nel XVIII e XIX secolo che iniziano a comparire anche le persone comuni.

L’esposizione si chiude con i dipinti di paesaggio che veicolano un concetto idealizzato della natura. In tali opere si trovano spesso riprodotti fiumi, laghi, corsi d’acqua, pozze o ruscelli in primo piano e picchi montuosi sullo sfondo e, in scala minore, ponti, templi, padiglioni, edifici e piccole figure umane. È particolarmente interessante notare come questo genere sia quasi sempre realizzato con il solo inchiostro, con rare note di colore.
 
Il percorso è arricchito da due armature originali di samurai e da alcuni album di fotografie giapponesi di fine Ottocento, dalle copertine in lacca riccamente decorate, provenienti dalle collezioni del MUSEC.

Come ha dichiarato Francesco Paolo Campione, direttore del Museo delle Culture di Lugano: “Kakemono è un progetto che nasce con un’idea precisa: raccontare cinque secoli di storia dell’arte giapponese, accompagnando per mano il pubblico in un viaggio emotivo di forme e soggetti; un viaggio capace di restituire la peculiarità non solo della pittura ma, più ampiamente, della rappresentazione visiva nella civiltà giapponese.
L’esposizione di Villa Malpensata  è un nuovo capitolo nel percorso di studio della creatività e delle tradizioni culturali del Giappone, iniziato quindici anni fa dal MUSEC, con la rassegna dedicata alle foto sottomarine delle pescatrici di Hèkura, realizzate nel 1954 da Fosco Maraini, e proseguita con diversi altri capitoli, come quello sulle stampe erotiche (shunga) e quello sui capolavori della fotografia colorata a mano dell’Ottocento, di cui oggi possediamo una collezione di oltre 16.000 opere, di gran lunga la maggiore esistente al mondo».

È previsto che la mostra approdi al MAO di Torino nella primavera 2021. 

Date: 17 luglio 2020 – 21 febbraio 2021.

Orario: 11-18.

Chiuso il martedì.

Biglietti:

adulti: 15 franchi svizzeri (ridotto adulti: 10 franchi s.); ragazzi dai 6 ai 16 anni: 5 franchi svizzeri. Gratuito per i bambini fino a 6 anni.

Catalogo edito da Skira.

Museo delle Culture

Riva Antonio Caccia 5, Lugano (CH)

+41 58 866 69 60
info@musec.ch
http://www.musec.ch

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Trasparenze crepuscolari

Il trascorrere delle stagioni, il trascolorare dei colori e la confluenza dei suoni in rinnovate armonie è da sempre, e in tutte le culture, fonte di ispirazione per l’arte nei suoi diversi linguaggi espressivi, oltre che di emozioni profonde nelle anime aperte allo stupore del mondo.

È noto l’amore dei Giapponesi per la natura e per le sue manifestazioni.

È una pittura più esigente di quanto non appaia: chiede, a chi si immerga in essa, uno sforzo di completamento dell’immediatamente visibile con quanto vi viene alluso o appena accennato, allargando l’orizzonte percettivo esteriore, l’immagine del quadro, all’interiorità alla quale l’immagine fa davvero appello, quella sì dell’artista ma anche dell’osservatore.

Un tratto profondo dell’anima del Giappone è nel sentimento del trascorrere delle cose, del trascolorare delle stagioni e della vita cosmica, in breve nel sentimento di “impermanenza” che ne rende così particolare e affascinante la cifra spirituale.

È certamente un sentimento che trova una sua espressività esemplare nelle immagini dei crepuscoli, momenti di luminosità transeunti in cui palpita un’attesa silenziosa e stupita. La “malinconia delle cose” (mono no aware) non impedisce però di fissarne l’essenzialità nell’attimo, irripetibile e perciò, a suo modo, permanente.

Più dunque che un canone estetico, “mono no aware” è un modo di stare al mondo tipico dell’ spirito giapponese, che non si teorizza, ma si vive, e che trova una espressione anche nella pittura, di cui Shoko Okumura è da anni portatrice e, in certo senso, messaggera.

Mostra personale di Shoko Okumura “Trasparenze crepuscolari”

– data : dal 12 al 22 Dicembre 2019
– l’inaugurazione : giovedi 12 Dicembre dalle 18.00
– dove : via Sandro Sandri 2 20121 Milano (MM2 Turati)
presso il Centro di Cultura Giapponese
– orari / giorni di apertura : Tutti i Venerdì, Sabato e Domenica dalle ore 11.00 alle 19.00
( solo venerdì 13 Dicembre la mostra termina alle ore 18.00. )
– Ingresso libero.

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SHOZO KOIKE

Ruten

Mutevolezza

流転

prorogata fino al 21 dicembre 2018

Le stagioni, la natura, lo spirito, la vita: tutto ha un continuo mutare. Il cambiamento come passaggio da un aspetto all’altro, come rinascita e arricchimento. Come il fiore di loto che affonda le radici nel fango, ma risale per distendersi sulla superficie delle acque stagnanti ed affiora per aprirsi in tutta la sua bellezza. Il rapporto con la natura è da sempre un elemento fondamentale nella cultura giapponese. Fiori e animali, rocce e fiumi, così come il paesaggio, posseggono un’anima e una natura divina, soggetti degni di veri e propri ritratti e non solo descritti come puro elemento decorativo. Attraverso le molteplici gradazioni dell’inchiostro la natura diventa poesia ed è raccontata con tutta la sua grazia. Nella tavolozza ad olio il paesaggio diventa protagonista con il racconto delle stagioni, attraverso una pennellata sensibile e lieve ed un gioco di velature. Viene così rivelata l’essenza dell’artista, la parte legata all’occidente dove ha scelto di vivere e la parte orientale, quella dell’anima.

Il maestro Shozo Koike　

Nato a Okaya (Nagano) in Giappone, vive in Italia dai primi anni novanta del secolo scorso. Dopo gli studi all’Accademia di Belle Arti “Taiheiyo” di Tokyo e un percorso lavorativo e artistico in terra nipponica, il desiderio di approfondire le conoscenze artistiche lo porta in Italia a studiare restauro. A Firenze si diploma in restauro dei dipinti e negli stessi anni segue il corso di disegno all’Accademia di Belle Arti. Dopo un lungo periodo fiorentino, si trasferisce in Piemonte a Casale Monferrato. La passione per l’arte occidentale lo ha portato a vivere in Europa ma l’essenza della propria anima orientale lo ha riavvicinato alla tecnica giapponese di pittura a inchiostro sumi-e. La pittura a inchiostro e la condivisione della cultura giapponese lo portano in varie città d’Italia dove tiene workshop e corsi. L’attività artistica prosegue con mostre personali e collettive dal 1981 in Giappone e in Italia.

La Galliavola Arte Orientale

corso di Porta Vittoria, 17

Milano

www.lagalliavola.com

☛ Per informazioni:

tel. 02 76007706

info@lagalliavola.com

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IKEBANA

La via dei fiori

IVREA, MUSEO CIVICO P.A. GARDA

19, 20 e 21 ottobre 2018

Colui che si dedica con amore e serietà all’arte dell’Ikebana intraprende, secondo la cultura Giapponese, la via spirituale dei fiori, detta Kadō.

L’arte orientale continua ad essere di casa al Museo Garda che ospiterà, dal 19 al 21 ottobre p.v. “Ikebana – la via dei fiori”, la mostra di portata internazionale, realizzata con il contributo della Fondazione CRT e della Fondazione Guelpa, con il patrocinio del Consolato Generale del Giappone in Italia e della Regione Piemonte.

Artisti della scuola Wafu Kai di Ivrea guidata da Ingrid Galvagni Tosei, le scuole  Ohara di Milano, Kagei Adachi di Zurigo, Sogetsu di Roma, Firenze, Venezia e Merano, e Ichiyo di Ginevra, insieme per la prima volta in Italia, esporranno le loro ikebana al museo civico P.A. Garda.

Ospite d’onore della mostra sarà Geneviève Kokera Ausenda, Grand Master Ohara, che, per tutta la sua vita con grande passione e impegno, ha contribuito a diffondere l’arte dell’ikebana.

Un valore aggiunto di rilievo sarà offerto dalle immagini di Nicola Galvagni, fotoreporter italiano che vive e lavora a Parigi.

L’ikebana, l’arte giapponese di disporre i fiori, s’identifica con la rappresentazione simbolica della natura, del suo ciclo vegetativo e dell’alternarsi delle stagioni. La parola Ikebana significa “rendere visibile la vita dei fiori“. Gli elementi principali che compongono un ikebana sono tre: l’acqua, i vegetali ed i recipienti che  possono essere di diversa natura: ceramica, vetro, raku, legno e materiali plastici e  metallici e rappresentano un elemento molto importante, tant’è che alcuni artisti nell’arte dell’ikebana sono anche ceramisti o collezionisti di vasi di pregevole fattura.

Le origini dell’ikebana si fanno risalire al VI-VII secolo d.C. Se ne ha memoria dall’epoca di Ono no Imoko, un ambasciatore che fu inviato presso la corte imperiale cinese e che, impressionato dalla bellezza dei giardini e delle offerte floreali nei templi, al suo rientro in patria si ritirò sulle colline di Kyoto e divenne monaco, trasformando la spontanea e semplice offerta floreale al Buddha in una vera e propria forma d’arte.

Nella seconda metà del XV secolo fu il monaco Senkei Ikenobo a cogliere, con ancora superiore sensibilità artistica, gli insegnamenti del suo illustre predecessore. La sua fama era tale che richiamava nel suo tempio di Kyoto pellegrini da tutto il Giappone. Decise così di fondare una propria scuola sull’arte della composizione floreale che, in origine, era praticata esclusivamente da monaci e da nobili e, solo in un secondo momento, si diffuse trasversalmente in tutti i ceti con il nome di ikebana. 

In una fase successiva si svilupparono in Giappone molte altre scuole ognuna con il proprio stile.

Wafu Kai 

La scuola Wafu fu fondata nel 1896 da Wafu Teshigahara. Nel 1946 il direttore della scuola (iemoto), figlio primogenito del fondatore, ha introdotto uno nuovo stile di ikebana. Artista instancabile, ha presentato le sue opere in tutto il mondo, volendo trasmettere tramite l’ikebana un messaggio di pace e comprensione tra i popoli. La sua personale visione dell’arte dell’ikebana, riassunta nel motto “arrange flowers that you like – suitably – in a container that you like” , si diffuse in Giappone, Stati Uniti e Sud America.  Dal 1992, l’attuale iemoto segue le orme dei suoi due predecessori. 

Ohara 

La scuola Ohara, fondata da Unshin Ohara alla fine del XIX secolo ma ufficialmente solo nel 1912, enfatizza le caratteristiche stagionali, i processi di crescita naturale e la bellezza degli ambienti naturali. Si tratta di un indirizzo che ha sviluppato, in particolare, lo stile definito moribana per rappresentare attraverso le composizioni floreali un’idea di  paesaggio con connotazioni letterarie e pittoriche e definiti Bunjin e Rimpa.

Kagei Adachi 

Choka Adachi, fondatore della scuola Kagei Adachi nel 1912, aveva come scopo liberare l’ikebana dalle forme e dagli stili tradizionali. I criteri da lui propugnati erano enfatizzare l’asimmetria, l’acqua in quanto elemento vitale delle piante, doveva essere visibile come parte della composizione. 

Sogetsu 

La Scuola Sogetsu (letteralmente “Erba e Luna”) venne fondata nel 1927 da Sofu Teshigahara, artista interessato al mondo moderno e fortemente influenzato dall’apertura delle frontiere del Giappone. Egli “tolse” l’ikebana dalla sua posizione abituale: il tokonoma. Utilizzando nuovi materiali e tecniche innovative affermò che: l’ikebana può essere fatto da tutti in ogni momento, in qualsiasi luogo con qualsiasi materiale. 

Ichiyō

La scuola Ichiyō, fondata nel 1937 da Meikof Kasuya e sua sorella Ichiyō, ha cercato di adattare l’ikebana al modo di vivere contemporaneo pur mantenendo tradizioni e insegnamenti del passato. Nel 1983, Akihiro Kasuya divenne il terzo iemoto della scuola e introdusse performance teatrali, realizzando ikebana in cui predomina equilibrio e tecnica della tensione. 

INFO

tel. 0125 410512

e-mail musei@comune.ivrea.to.it

www.museogardaivrea.it

Inaugurazione venerdì 19 ottobre dalle 17,00 alle 19,00 

Giorni apertura dell’esposizione : 

sabato 20 ottobre: dalle 15.00 alle 19.00

domenica 21 ottobre: dalle 15,00 alle 17,00 

Ingresso Museo e Mostre: intero € 5,00   Ridotto € 4,00

Il Museo Civico P.A. Garda aderisce all’Abbonamento Torino Musei Piemonte.

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MUSEC – Museo delle Culture

Villa Malpensata – Riva Antonio Caccia, 5

LUGANO

GIOIE FRA I CAPELLI. LA COLLEZIONE ANTONINI

8 settembre – 25 novembre 2018

«Gioie fra i capelli. La Collezione Antonini» è un affascinante e inconsueto viaggio a ritroso nel tempo alla scoperta dei pettini ornamentali. Oggetti d’uso e insieme tesori d’arte. Manufatti realizzati inizialmente per rispondere a esigenze funzionali, ma che ben presto si sono imposti per la loro valenza decorativa. Sino a ispirare grandi artisti e soprattutto il mondo della moda.

La Collezione Antonini donata al Museo delle Culture di Lugano nel 2016, è costituita da 1184 pettini ornamentali. Nello specifico è composta da 679 pettini di produzione europea, 252 provenienti dal continente americano e 233 provenienti dall’Asia; l’ Africa è rappresentata da 16 esemplari molto raffinati, l’Oceania da quattro pettini ornamentali.

La mostra è aperta dall’8 settembre al 25 novembre 2018, al terzo piano del MUSEC, ed è accompagnata da una serie di eventi e conferenze.

La storia del pettine rivela come questo oggetto, tanto familiare da passare spesso inosservato, sia ben più di un semplice ornamento per i capelli. I pettini si rivelano di volta in volta quali segni di bellezza, nobiltà, valore, rango sociale, potere economico, nonché maestria artigianale, gusto e creatività artistica. E questo per tutte le culture del mondo.

A Villa Malpensata sono esposti circa 700 pettini fra i 1.184 donati al MUSEC dai coniugi Gabriella e Giorgio Antonini. La mostra è completata da un corredo iconografico che aiuta il visitatore a contestualizzare il pettine ornamentale.

Nel bookshop è in vendita il catalogo che – oltre a essere una «guida» completa degli ornamenti da testa presenti in collezione – è anche, di fatto, il primo volume a carattere scientifico in italiano sulla storia del pettine ornamentale.

Orari di apertura da sabato 8 settembre

Tutti i giorni 14.00 – 18.00. Martedì chiuso.

Tariffe d’ingresso:

Intero: 5.- CHF

Sostenitore: offerta libera a partire da 10.- CHF

Gratuito: 0-16 anni, ICOM, AMS, Passaporto Musei Svizzeri, Raiffeisen

Per informazioni:

Tel. +41 (0)58 866 6960
e-mail: press@musec.ch

 

➽ A corredo dell’esposizione sono previste conferenze e dimostrazioni di acconciature.

Qui ne trovate l’elenco accompagnato da una serie di letture di approfondimento:

GIOIE FRA I CAPELLI. Approfondimenti e conferenze

 

Inoltre…

 

Nell’ambito dell’esposizione Gioie fra i capelli. La collezione Antonini:

mercoledì 19 settembre, alle ore 18

Leggiadre visioni: pettini e acconciature giapponesi tra storia e mondanità.

conferenza di Rossella Marangoni

La conferenza prende spunto dal piccolo corpus di kushi (pettini), kanzashi (accessori ornamentali) e kōgai (barrette per capelli) esposto in mostra per rintracciare, in un percorso storico, l’importanza dell’acconciatura e del pettine nella cultura giapponese, partendo dal simbolismo dei capelli e dei pettini nella religione popolare per arrivare agli spilloni delle cortigiane di periodo Edo e oltre, sino alla rilevante presenza degli accessori per capelli nelle occasioni formali che punteggiano la vita della donna giapponese contemporanea.

 

☛ Sala conferenze di Villa Malpensata (terzo piano).

☛ L’ingresso è gratuito sino ad esaurimento dei posti.

 

 

 

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